Spaziomusica

Camù Centri d’Arte e Musei

Presentazione del libro di Consuelo Giglio

FRANCO OPPO. NUOVA MUSICA DALLA SARDEGNA

Cagliari GIOVEDI‚ 15 marzo 2012, ore 18.00

Il Ghetto, Sala delle mura – Via Santa Croce, 18

Appuntamento nel segno di Franco Oppo, GIOVEDI’ 15 MARZO a Cagliari, con inizio alle ore 18 e ingresso gratuito nello spazio della Sala delle Mura del centro culturale Il Ghetto (in via Santa Croce). Il Conservatorio Statale di Musica “G. Pierluigi da Palestrina”, l’Associazione Spaziomusica e Consorzio Camù – Centri d’Arte e Musei hanno infatti organizzato la presentazione della monografia della musicologa siciliana Consuelo Giglio “Franco Oppo. Nuova Musica dalla Sardegna” (Palermo, Epos, 2011), dedicata al compositore sardo, considerato da tempo una figura chiave della musica contemporanea nell’isola, fondatore e direttore artistico per lungo tempo di Spaziomusica.

La serata – che inaugura “Carta da musica”, la rassegna di incontri con l’autore e presentazione di libri proposta dal Conservatorio cagliaritano – sarà aperta dall’Ensemble Spaziomusica (costituito da Enrico Di Felice, Roberto Pellegrini e Riccardo Leone), che eseguirà “Fasi B” (2009), per flauto, vibrafono e pianoforte di Franco Oppo.

PROGRAMMA

Saluti:

ALDO ACCARDO

docente di Storia contemporanea (Università degli studi di Cagliari)

Presidente del Conservatorio Statale di Musica “G. Pierluigi da Palestrina” di Cagliari

Presentano l’opera:

MYRIAM QUAQUERO

docente di Storia della musica (Conservatorio Statale di Musica “G. Pierluigi da Palestrina” di Cagliari)

IGNAZIO MACCHIARELLA

docente di Etnomusicologia (Università degli studi di Cagliari)

Saranno presenti l’Autrice e il Maestro Franco Oppo

martedì 27 dicembre 2011, ore 21 (ingresso libero)

Cripta di San Domenico

Orchestra Jazz della Sardegna

Luca Lanza sax contralto e soprano
Dante Casu sax contralto e clarinetto
Massimo Carboni sax tenore
Teodoro Ruzzettu sax tenore e clarinetto
Marco Maiore sax baritono
Luca Uras, Emanuele Dau, Pietro Pilo, Giovanni Sanna Passino tromba
Gavino Mele, Roberto Chelo corno
Salvatore Moraccini, Emiliano Desole trombone
Roberto Tola chitarra
Mariano Tedde pianoforte

Alessandro Zolo contrabbasso
Luca Piana batteria e percussioni

Polifonica Santa Cecilia, Direttore Gabriele Verdinelli

Maestri sostituti: Laura Lambroni, Nino Cennamo, Matteo Desole

Marta Raviglia voce solista

Direttore Bruno Tommaso

Stefano Garau: Do diesis Requiem

Duke Ellington: Sacred Concert

• PRAISE GOD coro e orchestra
• HEAVEN soprano solo, coro e orchestra
• FREEDOM – SUITE
• To be contended coro e orchestra
• Freedom coro, sax alto e sezione ritmica
• Word you heard coro e orchestra
• Freedom is a word coro e recitato
• Sweet, fat and that coro e sezione ritmica
• Freedom – Svoboda recitato
• To be contended coro e orchestra
• THE SHEPHERD orchestra
• THE MAJESTY OF GOD soprano solo, coro e orchestra
• COME SUNDAY soprano solo e coro
• DAVID DANCED BEFORE THE LORD percussioni, coro e orchestra
• ALMIGHTY GOD coro e orchestra
• T.G.T.T. soprano solo e piano
• PRAISE GOD AND DANCE – FINALE soprano solo, coro e orchestra

Music from Sacred Concerts – Duke Ellington (1899-1974)

Nell’ottobre del 1962 la commissione di una composizione per l’inaugurazione della Grace Cathedral di San Francisco diede a Duke Ellington l’occasione per l’inizio di un personale percorso artistico e spirituale. Nasce così Concert of Sacred Music che vedrà un’applauditissima prima esecuzione nel settembre 1965 e un buon riscontro di vendite per la successiva incisione. Il successo fu rinnovato con l’esecuzione e la pubblicazione nel 1968 del Second Sacred Concert e nel 1973 del Third Sacred Concert la cui uscita precedette di appena sei mesi la scomparsa del suo autore. I testi, quasi tutti d’ispirazione biblica, avevano anche alcuni interventi dedicati alle problematiche razziali e d’integrazione sociale del popolo afroamericano, particolarmente sentite all’ epoca negli Stati Uniti, segnati dagli assassinii dei fratelli Kennedy, di Malcom X e di Martin Luther King. Ellington eseguì spesso varie selezioni tratte dai Sacred Concerts negli ultimi anni della sua vita, ma non lasciò mai una versione definitiva o delle  partiture complete di quello che si può definire il suo testamento artistico: anche nelle ultime esibizioni modificò continuamente la successione dei brani in programma e gli arrangiamenti, work in progress stimolato dall’insoddisfazione, dalla necessità del momento e anche dall’incombere della fine del viaggio. La versione di stasera si basa sulla selezione, tratta da tutti e tre i Concerts, ricostruita e arrangiata da Hoybye e Pedersen nel ’93 sulla base degli scritti e degli ultimi concerti dell’autore, con una scrittura corale notevolmente più elaborata e importante rispetto alle prime esecuzioni. La presenza degli stili storici fondamentali del jazz, dalle radici spiritual alle tecniche più avanzate degli anni ’60, costituisce un interessante compendio della straordinaria personalità di Ellington, attualmente non a caso proiettato dalla critica in una dimensione più ampia e sfaccettata rispetto all’ambito della sola musica afroamericana. L’impegno dell’attuale produzione è stato affrontato dalla Polifonica Santa Cecilia e dall’Orchestra Jazz della Sardegna, due complessi che da tempo dimostrano il valore delle idee e degli artisti regionali anche in ambito nazionale e internazionale: la partecipazione inoltre di una delle più interessanti cantanti nel panorama nazionale, Marta Raviglia, e la direzione affidata al maestro Bruno Tommaso, in questo momento uno dei più importanti direttori-compositori nell’ambito del jazz europeo, aggiungono interesse all’esecuzione di un’opera ormai pienamente collocabile tra i grandi capolavori strumentali – corali del ‘900.

Do Diesis Requiem – Stefano Garau (1961)

Il Do Diesis Requiem, di autore sassarese, è basato su alcune parti della Missa pro defunctis, scelta determinata dal tentativo di unire credenti e non credenti nel confidare nel riposo dei defunti e nella pace per chi rimane.  Le varie frasi sono inserite in una marcia funebre costruita su un basso ostinato che simula un corteo che passa per poi allontanarsi e spegnersi sulle ultime note basse, come un cuore che lentamente si ferma.

……..

E’ una coproduzione tra l’ABNO e l’Associazione Polifonica S. Cecilia di Sassari. L’ispirazione di base è stata quella di affrontare una produzione originale che permettesse la fusione tra una big band jazzistica e un ensemble vocale di prestigio per la realizzazione di un’opera sacra ma non priva di connotazioni sociali. I testi, quasi tutti d’ispirazione biblica, hanno infatti degli interventi dedicati alle problematiche razziali e d’integrazione sociale del popolo afroamericano particolarmente sentite negli anni ’60, periodo di composizione dell’opera. La produzione trae spunto dai tre concerti di musica sacra cui Duke Ellington lavorò con particolare devozione negli ultimi anni di vita e che rappresentano il suo testamento spirituale e artistico. La presenza di tutti gli stili storici fondamentali del jazz, dalle radici spiritual alle tecniche più astratte degli anni ’60, costituisce infatti un interessante compendio mediato dalla straordinaria personalità dell’autore, attualmente, non a caso, proiettato dalla critica in una dimensione più ampia e sfaccettata rispetto all’ambito della sola musica afroamericana. La versione in produzione è quella realizzata da Hoybye e Pedersen nei primi anni ’90 da un’attenta selezione e ricognizione degli scritti e delle ultime registrazioni di Ellington.  L’autore non lasciò mai una versione definitiva dei suoi Sacred Concerts e anche neile sue ultime esibizioni modificò continuamente i brani in programma e gli arrangiamenti, work in progress stimolato dall’insoddisfazione, dalla necessità del momento e dall’incombere della fine del viaggio. Era necessario, per la resa dell’opera, che un’altra realtà culturale (nel caso specifico un coro di dimensioni ragguardevoli) divenisse parte attiva del progetto. Subito è nato l’interesse comune alla realizzazione dell’opera con la Polifonica S. Cecilia di Sassari, diretta dal maestro Gabriele Verdinelli, importante formazione nell’ambito della musica corale italiana. Il progetto vede anche la partecipazione di una delle più interessanti cantanti nel panorama nazionale, Marta Raviglia. La direzione è affidata al maestro Bruno Tommaso, attualmente uno dei più importanti direttori-compositori nell’ambito del jazz italiano.

mercoledì 7 dicembre 2011, ore 21 (ingresso libero)

Cripta di San Domenico

Complesso Vocale di Nuoro

Franca Floris, direttore

Ugo Spanu, organo

Francesco Maggio (1986)

Sonne, per coro a voci miste a cappella

Marcello Pusceddu (1956)

Die segunda, per coro a voci miste a cappella

Arvo Pärt (1935)

The woman with the alabaster box, per coro a voci miste a cappella Trivium, per organo

O Adonai, per coro maschile da Sieben Magnificat-Antiphonen Magnificat, per coro a voci miste a cappella

Berliner Messe, per coro (SATB) ed organo (1990, rev. 2002):

1. Kyrie

2. Gloria

3. Erster Alleluiavers zum Weihnachtsfest

4. Credo

5. Sanctus/Benedictus

6. Agnus

Dei Annum per annum, per organo

Il programma musicale è quasi interamente dedicato alla figura di Arvo Pärt, compositore estone contemporaneo legato al minimalismo sacro e ideatore di uno stile compositivo rigoroso ed originale chiamato  “il tintinnabuli”, stile a metà tra monodia e polifonia che  però non rientra realmente in nessuna delle due categorie, costruito interamente su triadi e scale tonali, nel quale l’impiego della voce umana è di rilevante importanza. La spiritualità, la trasparenza emotiva dei  brani proposti, siano essi corali (Magnificat, The woman with the alabaster box, la Berliner Messe nella revisione del 2001 per organo e coro misto) o  organistici (Trivium), l’assenza del “superfluo” ben si sposano con lo spazio sacro della Cripta di San Domenico. Il concerto fa parte della quinta edizione della rassegna corale itienerante Cantus organizzata dal Complesso Vocale di Nuoro grazie anche al finanziamento del Banco di Sardegna.

Complesso Vocale di Nuoro, ha esordito nel dicembre del 1984 e da allora svolge intensa attività concertistica con proposte di programmi monografici su autori, temi, periodi della letteratura corale. Approfondisce gli aspetti legati alla vocalità, all’interpretazione e alla prassi esecutiva della musica antica, romantica e moderna, collaborando con musicisti specializzati nel settore. Ha conseguito diversi premi in prestigiosi concorsi nazionali ed internazionali in tutte le categorie per le quali si è presentato (voci femminili, voci maschili, voci miste e gruppo madrigalistico). Nel Giugno 2011 ha conseguito 4 premi ai concorsi internazionali di Langenselbold e Mainhausen in Germania e a Settembre è stato uno dei tre cori finalisti al I Gran Premio Internazionale di Canto Corale Valle d’Aosta svoltosi a Saint Vincent. Ha in repertorio opere di musicisti del XVII e del XVIII secolo (Monteverdi, Bach, Pergolesi, Vivaldi, Haydn, Hændel e altri) per soli, coro e orchestra, per l’esecuzione delle quali si avvale di orchestre specializzate nella prassi musicale rinascimentale e barocca. Ha in repertorio prime esecuzioni assolute dei compositori italiani P. Merku, F. Resch, M. Zuccante e in prima esecuzione moderna le composizioni corali di C. Galan.

Franca Floris, si è diplomata in canto presso il Conservatorio di Musica “Luigi Canepa” di Sassari sotto la guida di Antonietta Chironi. Ha studiato composizione e direzione di coro ed ha frequentato numerosi corsi di interpretazione e prassi esecutiva corale. È chiamata da enti ed associazioni musicali a tenere corsi di vocalità, direzione ed interpretazione corale e fa parte di giurie e commissioni d’ascolto di concorsi di canto. Insegna Musica presso la Scuola Media n.1 di Nuoro ed è direttore del coro di voci bianche dello stesso istituto. Dirige il Complesso Vocale di Nuoro fin dalla sua fondazione.

Ugo Spanu, nato a Sassari, si è diplomato a pieni voti presso il Conservatorio della sua città, in Organo e Composizione organistica nell’anno 1991, ed in Armonia, Contrappunto, Fuga e Composizione nell’anno 1994. Nel 1995 ha inoltre conseguito il diploma in Musica Corale e Direzione di Coro presso il Conservatorio Musicale “F. Morlacchi” di Perugia, perfezionandosi poi con il M°. Marco Fracassi. Ha approfondito la sua preparazione con lo studio del pianoforte con il M° Maurizio Barboro.  Si è perfezionato inoltre  per la composizione,  con il M° Luciano Pelosi. Dall’età di quindici anni svolge attività concertistica in italia ed all’estero. Nel 1991, anno del bicentenario della morte di W. A. Mozart, ha eseguito in vari centri, l’integrale dell’opera organistica del compositore salisburghese, registrando in tale occasione per la R.A.I Dal 1993 ha poi studiato con il M°. Giorgio Carnini. Nel 1994 è stato ammesso a frequentare i corsi di alto perfezionamento organistico dell’Accademia Chigiana di Siena. Ha partecipato in seguito a vari corsi di perfezionamento in Italia  e all’estero. Ha poi proseguito gli studi musicali presso il Conservatorio “L. da Palestrina” di Cagliari  frequentando la classe di Direzione D’Orchestra, prima con il M° Giorgio Proietti poi con il M° Sandro Sanna. Nel 1999, a seguito della vincita del concorso nazionale a cattedre, per esami e titoli, è stato nominato titolare della cattedra di Organo Complementare e Canto Gregoriano presso il Conservatorio “L. Canepa” di Sassari. Dal 1999 è direttore del Coro Polifonico Algherese e direttore artistico della rassegna concertistica Estudi Polifònic.  Nel 2002 ha collaborato in qualità di supervisore al restauro dell’organo Mascioni della cattedrale di S Maria ad Alghero, di cui ha svolto il collaudo ed il successivo concerto inaugurale, divenendo, in seguito alla nomina della Diocesi di Alghero-Bosa, direttore artistico della  Rassegna Internazionale di Musica Organistica. E’ inoltre direttore dal 2003 della Scuola Civica di Musica del Monte Acuto di Ozieri. E’ organista titolare della Basilica del Sacro cuore a Sassari.

Francesco Maggio nasce a Lecce nel 1986 e studia composizione con Marco Della Sciucca, Guido Baggiani e Ivan Fedele a Pescara; musica elettronica con Giorgio Nottoli a Roma. Segue inoltre diversi workshop, seminari e masterclass in Italia e all’estero rispettivamente con Sylvano Bussotti, Azio Corghi, Luis De Pablo, Toshio Hosokawa, Marco Stroppa. Ha ricevuto numerose commissioni tra cui: l’Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano, l’Orchestra Sinfonica del Teatro Olimpico di Vicenza, l’Orchestra Sinfonica di Maracaibo, il Festival Spazio Musica di Cagliari, il Festival Nuovi Spazi Musicali di Roma, il Brinkhall Summer Concerts di Turku. La sua musica è stata programmata in diversi festival (Festival Nuovi Spazi Musicali, Festival Spazio Musica, Art of Sounds presso la Guarnerius Concert Hall di Belgrado), ed eseguita in numerose stagioni concertistiche (Milano: Spazio Oberdan, Fondazione “Antonio Mazzotta”, Teatro Dal Verme; Roma: Auditorium “Ennio Morricone”, Sala accademica “Santa Cecilia”; Palazzo dei Falconieri; Vicenza: Teatro Olimpico; Maracaibo (Venezuela): Teatro de Bellas Artes; Ottawa (Canada): Glebe St. James United Church; Turku (Finlandia): Wäinö Aaltonen Museum of Art, Brinkhall Summer Concerts; Helsinki: National Museum of Finland, Sibelius Academy Concert Hall); Trelleborg (Svezia): Piano Festival. Tra gli interpreti della sua musica figurano gruppi come: l’ Orchestra Sinfonica di Maracaibo, l’ Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano, l’ Orchestra del Teatro Olimpico di Vicenza, il FramEnsemble, l’ Ensemble Spazio Musica, il Ned Ensemble, e solisti come Patrik Kleemola, Massimo Munari, Sergio Casesi, Mauro Bertoli, Gaspare Tirincanti, Guido Arbonelli, Elitza Harbova. Le sua musica è pubblicata da Edizioni Musicali Sconfinarte (Brescia). Francesco Maggio, oltre all’ attività di compositore, ricopre cariche di organizzatore presso il Centro Musica Contemporanea di Milano (Consulente Artistico), Brinkhall Summer Concerts di Turku (Consulente Artistico) e per il Festival G.E.R.M.I. di Roma (Direttore Artistico).

venerdì 2 dicembre 2011, ore 21 (ingresso libero)

Cagliari Centro Culturale Il Ghetto

Ensemble Spaziomusica

Giulia Cabizza, voce; Enrico Di Felice, flauto; Roberto Pellegrini, percussioni; Riccardo Leone, pianoforte

Alessandra Bellino, En-Canto per soprano e pianoforte (2010)

Girolamo Deraco, Città Fantastica per soprano, percussioni e pianoforte (2010)

Goffredo Petrassi, Romanzetta per flauto e pianoforte (1981)

Sonia Bo, Pax per flauto solo (2005)

Satoshi Ohmae, Trio Festone per flauto, vibrafono e pianoforte (2010)

Fondato nel 1982 da Riccardo Leone e Enrico Di Felice, l’Ensemble Spaziomusica ha partecipato a diversi festival italiani e stranieri; tra questi: Nuova Consonanza di Roma (1986) ,  Festival Contrechamps di Ginevra (1990), Ferienkurse Darmstadt (1992), Ars Mobilis 95 di Parigi (1995), Festival S.I.M.C di Tirana (1995),  Festival Encuentros 96 di Buenos Aires (1996),

Temporada 96 di Montevideo (1996), Festival L.I.M di Madrid (1997) ecc.

Dal 2010 l Ensemble organizza a Cagliari il Festival Inaudita dedicato a nuove composizioni ed a repertori ancora inesplorati.

Giulia Cabizza, nasce a Cagliari il 30 Maggio 1988. Comincia i suoi studi musicali nella classe di pianoforte della Prof.ssa Ida Allegretto presso il Conservatorio di musica G. P. da Palestrina e nel 2001 vince il secondo premio del Concorso Internazionale di Pianoforte A. Gramsci. Nel 2005 entra a far parte della classe di canto della Prof.ssa Elisabetta Scano e nell’estate 2010 debutta come Mezzosoprano nel ruolo di Orsola nell’opera “il Campiello” di E. W. Ferrari per conto dell’Accademia Internazionale Lirica di Santa Croce presso Trieste. Fa parte di diversi gruppi vocali con i quali esegue repertori che vanno dal rinascimentale al contemporaneo.

Enrico Di Felice, si è diplomato giovanissimo in flauto con il massimo dei voti e la lode. I suoi maestri sono stati Mario Ancillotti per il flauto moderno e Stephen Preston per il flauto barocco. Vincitore di diversi concorsi nazionali e internazionali, ha suonato da solista nelle più prestigiose sale concerti­stiche europee tra le quali il Concertgebouw di Amsterdam, la Musikhalle di Amburgo, la Sala del Conservatorio di Ginevra, oltre che a Montreal, Tokyo, Dijon, Bruxelles, Strasburgo, Dresda, Lipsia, Neuchâtel, Berna, Innsbruck, Klagenfurt, Budapest, Bucarest, Copenaghen, Madrid, Lisbona, Lubiana, Atene, Istanbul, Tirana ecc. Ospite di diversi festival europei tra i quali Nuova Consonanza di Roma, Biennale Musica e Festival Galuppi di Venezia, Antidogma di Torino, Schleswig-Holstein Musikfestival, Autunno Musicale di Como, Contrechamps di Ginevra, Musikfestival Davos, Festival Barroco di Oporto, ha registrato per la RAI (radio e TV), l’ORTF (Francia), la NOS (Olanda), la RDS (Svizzera Tedesca), l’ORF (Austria) e per le radio di Ungheria, Romania, Egitto e Canada. Si è occupato diffusamente della riscoperta e della riproposta del repertorio flautistico settecentesco ritrovando alcuni concerti e sonate per flauto di importanti autori quali G.P. Telemann, L. Vinci, T. Albinoni, L. Leo. Tali opere, successivamente, sono state registrate e pubblicate in prima mondiale ad opera di Enrico Di Felice suscitando vivo interesse presso la critica specializzata. Ha inciso per Stradivarius e Inviolata Recordings più di dieci CD con le principali opere per flauto di Bach, Vivaldi, Albinoni, Telemann, Scarlatti, Monteclair ecc. Recentemente il suo CD con i concerti per flauto di Pergolesi e Leo ha ottenuto il massimo riconoscimento della prestigiosa rivista discografica francese Diapason e la rivista inglese Early Music Today ha giudicato “astonishing” il CD dedicato alle sonate per flauto di Antonio Vivaldi. E’ docente di flauto presso il Conservatorio “G. Pierluigi da Palestrina” di Cagliari e di flauto traverso barocco presso il Centro de Estudos de Musica Barroca di Oporto.

Riccardo Leone, diplomato in pianoforte al Conservatorio di Cagliari, ha studiato direzione d’orchestra, clavicembalo e canto, prima di orientarsi verso la musica da camera e affinare la preparazione con il Trio di Trieste alla Scuola di Musica di Fiesole e all’ Accademia Chigiana di Siena. Con il Trio Castello e con l’ Ensemble Spaziomusica, a partire dai primi anni ottanta orienta la propria attività verso il repertorio classico-romantico, eseguendo opere di Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann e Brahms ma anche pagine di musica contemporanea e del Novecento per pianoforte solo e in ensemble. È stato sul podio della Filarmonica della Repubblica di Corea, l’ Orchestra Sinfonica di Bacau, l’ Orchestra e la Sinfonietta del Teatro Lirico di Cagliari, gli ensemble Spaziomusica di Cagliari e Opera ma novità di Sassari con cui ha diretto in prima assoluta opere teatrali da camera di Oppo, Manzoni, Melchiorre, Lombardi, Solbiati, Sani, Pusceddu, Cocco, Carta, Saba, Garau, oltre a molte prime italiane di protagonisti dell’avanguardia musicale europea. Collabora come pianista con l’ Orchestra del Teatro Lirico di Cagliari dopo anni di collaborazione alle produzioni d’Opera lirica. Svolge una intensa attività concertistica, partecipando a varie manifestazioni in varie parti del mondo (Europa, Asia, America del sud) in qualità di pianista e direttore, sia in formazioni cameristiche che da solista. Insegna musica da camera al Conservatorio di Cagliari.

Roberto Pellegrini, percussionista, si occupa di improvvisazione e di musica contemporanea. Ha collaborato con compositori, interpreti e improvvisatori quali Mauricio Kagel, James Wood, Gaston Sylvestre, David Cossin, Giancarlo Schiaffini, Michico Hirayama, David Moss, Lester Bowie, Furio DiCastri, Paolo Fresu, Enrico Rava, Ralph Alessi, Chris Speed, Emili Richards, Mike Manieri, Mark Stewart, Mark Ribot, etc. Ha partecipato a numerosi festivals internazionali tra cui: Festival Spaziomusica (Cagliari, diverse edizioni dal 1990 al 2008), Summer Jazz Festival (Tokyo 1992), Ferienkurse fur Neue Musik (Darmstadt 1992-94), Podewil Festival Frei Improvisierter Music (Berlino 1993), World Music Days (Stockholm 1994), 30° Deutsches Jazz Festival Frankfurt (Francoforte 1999), Tailler de Musics (Barcellona 1999), Jazz in Sardegna (Cagliari 2004), Amici della Musica/Primo Festival di Percussioni (2005), Musica sulle Bocche (Santa Teresa di Gallura, 2006), Sound Res (Lecce 2007), Milanesiana (Milano 2007), Issue Project Room (New York 2008), Auditorium Parco della Musica/Contemporanea (Roma 2007/2009), etc. Ha registrato per la Edipan, Il Ponte Sonoro, Il Manifesto, Digitalis Purpurea, Tajirà Vincitore del primo premio al Deuxieme Tournoi Europeen Musique Improvvise (Poitiers 1995) e del IX Concorso Musicale Internazionale S. Anna Arresi 1996. È docente di Percussioni e batteria-jazz al Conservatorio di Cagliari.

martedì 29 novembre 2011, ore 21 (ingresso libero)

Cagliari Centro Culturale Il Ghetto

MiniEnsemble

Michele Sanna, chitarra elettrica, effetti

Francesco Ciminiello, percussioni

Vinko Globokar Corporel (1985) per un percussionista che usa il suo corpo

Lucio Garau J…X (1995) per chitarra elettrica

Michele Sanna Omeofanìe (2011) per chitarra elettrica e percussioni

MiniEnsemble

Il MiniEnsemble è frutto della collaborazione, intrapresa sin dal 2009, tra Michele Sanna (chitarrista e compositore) e Francesco Ciminiello (percussionista). Il progetto si consolida nell’estate del 2011, con l’intento di condividere e proporre la sperimentazione di nuovi e diversi linguaggi musicali, legati tanto alla scrittura quanto alla pratica dell’improvvisazione. Il MiniEnsemble, nella formula solo/duo, si pone come principale obiettivo quello di interpretare musica scritta da compositori odierni insieme ad alcune delle pagine più interessanti della musica composta negli ultimi 60 anni (Xenakis, Globokar, Andriessen, Reich, Romitelli ecc.), focalizzando l’attenzione su quei compositori che hanno utilizzato strumenti e sonorità discontinue rispetto alla tradizione della musica scritta occidentale. Il MiniEnsemble, di recentissima formazione, si propone di ampliare il proprio repertorio da una parte commissionando nuove opere a giovani compositori attivi in Italia ed Europa, dall’altra lavorando su trascrizioni, proponendo nuove orchestrazioni di musiche provenienti da diverse tradizioni. Il MiniEnsemble inoltre è attivo nella didattica sperimentale, con l’intento di divulgare un approccio musicale moderno attraverso seminari interattivi e concerti nelle scuole.

Michele Sanna compie i primi passi musicali come autodidatta, all’età di 7 anni, avvicinandosi prima al pianoforte, poi alla chitarra, strumento al quale dedicherà il suo percorso da interprete e improvvisatore. Intraprende un percorso accademico che lo porterà a laurearsi in composizione al conservatorio “G.Verdi” di Milano, sotto la guida di Mario Garuti; sempre a Milano attualmente frequenta l’ultimo anno di specializzazione, studiando con Gabriele Manca. Ha frequentato corsi e masterclass con molti compositori ed interpreti di livello internazionale come Helmut Lachenmann, Alessandro Solbiati, Stefano Gervasoni, Franco Oppo, Giovanni Verrando ecc.. Ha studiato direzione d’orchestra, analisi ed ear-training presso l’Accademia Internazionale della Musica di Milano con Emilio Pomarico e Yoichi Sugyiama (Mdi Ensemble). Dal 2006 ha collaborato con diversi solisti ed ensemble cameristici e orchestrali (Ensemble Multilatérale, Laura Catrani, Maria Grazia Bellocchio, Dario Garegnani, Orchestra Verdi di Milano, Repertorio Zero, Gilbert Imperiàl ecc.). La sua musica è stata eseguita in Francia, Olanda e Italia (Gaudeamus Chamber Music Prize, Festival Pontino, Festival MilanoMusica 2011, CSNMDP Paris). E’ stato premiato in diversi concorsi internazionali (Galleria d’Arte Moderna di Milano, CEMAT, Centro San Fedele). Come chitarrista ha studiato jazz e musica improvvisata con Massimo e Bebo Ferra, Umberto Fiorentino, John Damien ecc. Ha frequentato diversi corsi e seminari (Umbria Jazz, Nuoro Jazz, Accademia di Siena Jazz) e partecipato a numerose masterclass (Pat Metheny, Pat Martino, Scott Henderson, Stefano Battaglia, Roberto Dani, ecc.). Dal 2007 si interessa di etnomusicologia, compiendo numerosi studi e ricerche (Nicola Scaldaferri, Bernard Lortat-Jacob) Nell’A.a. 2009/2010 è stato docente di “Strutture e forma nella Musica” presso la scuola di Etnomusicologia del conservatorio “G.P. Da Palestrina” di Cagliari.

Francesco Ciminiello Nato a Cagliari, ha iniziato i suoi studi musicali presso l’Ass. Culturale Musicale “E. Porrino” di Elmas e successivamente ha studiato Strumenti a Percussione presso il Conservatorio “P. da Palestrina” di Cagliari dove nel 2001 si è diplomato con il massimo dei voti. Si è perfezionato a Parigi studiando con Gaston Sylvestre e Francois Bedel al CNR di Rueil-Malmaison dove ha ottienuto il Primier Prix e la Medaglia d’oro al corso Superiore ed Eccellenza come solista e la Medaglia d’oro al corso Superiore in Musica da Camera.

Come percussionista ha collaborato con la Fondazione Teatro Lirico di Cagliari, con la cooperativa Teatro e/o musica di Sassari e con le Associazioni Spaziomusica,Music in touch e Amici della Musica di Cagliari.
Svolge un’intensa attività concertistica solistica e d’insieme per strumenti a percussione con i “Modular Quartet” con cui ha partecipato ai primi due festival I”nternazionali per Strumenti a Percussioni” e ai festival “Musica sulle bocche”, “Signal Festival” dove ha suonato musiche di S.Reich ( Drumming ) e di I Xenakis (Persephassa)

Inoltre con il gruppo “Moto contrario duo” ( clavicembalo e percussioni ) ha partecipato a Suonare Francese a Cagliari e al Concorso “Gaudeamus” ad Amsterdam riscontrando un ottimo successo di pubblico dove ha suonato musiche di I Xenakis ( Komboi e Ophaa ) Attualmente insegna Strumenti a Percussioni presso il Conservatorio di Cagliari.

Cagliari Centro Culturale Il Ghetto ore 21

Musica ripensata

Ensemble Spaziomusica

Enrico Di Felice flauto, Simone Floris clarinetto basso, Giorgio Oppo violino, Nicoletta Pintor violoncello, Riccardo Leone pianoforte e direzione, Manuele Pinna pianoforte, Roberto Pellegrini percussioni

Franco Oppo, Fasi B per flauto, pianoforte e vibrafono (1984-90)

Marcello Pusceddu, Perdiù per flauto, pianoforte e vibrafono (2011)

Franco Oppo, Solo (da Eleonora d’Arborea) per flauto (1986)

Fabrizio Casti, Sprawl per flauto e pianoforte

Franco Oppo, Alcune verità indimostrabili per flauto, clarinetto basso, violino, violoncello, pianoforte e percussioni (2004-08)

Progetto in collaborazione con l’Associazione Incontri Musicali

Serata nel segno di Franco Oppo, sabato (26 novembre) a Cagliari per la rassegna Spaziomusica. Programma e interpreti del concerto – con inizio alle ore 21 (e ingresso gratuito) nel consueto spazio del centro culturale Il Ghetto (in via Santa Croce) – sono infatti strettamente legati al compositore sardo (che lo scorso ottobre ha compiuto settantasei anni). Figura chiave della musica contemporanea nell’isola, Franco Oppo è stato anche il fondatore e per lungo tempo il direttore artistico di Spaziomusica. E sarà proprio l’ensemble nato in seno all’associazione che dal 1982 organizza l’omonima rassegna, a interpretare i brani in scaletta. Tre sono firmati dallo stesso Oppo: “Fasi B” per flauto, pianoforte e vibrafono, “Solo” per flauto (dall’opera “Eleonora d’Arborea”), e “Alcune verità indimostrabili” per flauto, clarinetto basso, violino, violoncello, pianoforte e percussioni. Sono invece di due fra i suoi ex allievi più rappresentativi, le altre composizioni in programma:  “Perdiù” per flauto, pianoforte e vibrafono, di Marcello Pusceddu, e “Sprawl” per flauto e pianoforte, di Fabrizio Casti. Volti noti della scena sarda della musica contemporanea (ma non solo) compaiono anche tra le file  dell’Ensemble Spaziomusica, che accanto ai suoi fondatori – il pianista e direttore Riccardo Leone e il flautista Enrico Di Felice – schiera i “veterani” Roberto Pellegrini alle percussioni, il violinista Giorgio Oppo e la violoncellista Nicoletta Pintor, con Manuele Pinna al pianoforte e Simone Floris al clarinetto basso.

Prossimo appuntamento con la rassegna Spaziomusica, martedì 29, sempre al Ghetto con inizio alle 21: protagonista il MiniEnsemble del chitarrista Michele Sanna e del percussionista Francesco Ciminiello, alle prese con musiche di Vinko Globokar, Lucio Garau e dello stesso Michele Sanna.

Ufficio stampa:

RICCARDO SGUALDINI

tel.: 070 30 31 48; cell.: 347 83 29 583;

mercoledì 23 novembre 2011, ore 21 (ingresso libero)

Cagliari Centro Culturale Il Ghetto ore 21

IN VINO VERITAS

Musica e testi ispirati alla cultura del vino con

Vasco Mirandola, voce recitante e Interensemble Trio

(Alessandro Fagiuoli, violino, Luca Paccagnella, violoncello, Alessia Toffanin, pianoforte)

Letture:

Jorge Luis Borges, Sonetto del vino

O.Khayyam, Quartine

Mario Soldati, Giulio Ferrari, il padre dello spumante, da Vino al Vino

Fabio Franzin, Ode al merlot

Luigi Meneghello, Il Professore da Libera nos a Malo

Charles Baudelaire, L’anima del vino – Ubriacatevi

Francesco Zaccheddu, Su inu

Alda Merini, Le osterie

John Fante, da La confraternita del Chianti

Pablo Neruda, Ode al vino

Fosco Maraini, Bottiglie, da Gnòsi delle fànfole

Programma musicale:

Chick Corea Addendum per violino, violoncello e pianoforte

Philip Glass Mad Rush per pianoforte
Roberta Silvestrini Eloigné per violino, violoncello e pianoforte
Bernardino Beggio Fiddle Trio per violino, violoncello e pianoforte
Riuychi Sakamoto Before Long per violino, violoncello e pianoforte

Michele Biasutti Anfratti per violino e pianoforte
Claude Debussy La puerta del vino (da Preludes) per pianoforte

Astor Piazzolla Oblivion per violino, violoncello e pianoforte 

Riuychi Sakamoto Rain per violino, violoncello e pianoforte

In vino veritas è un progetto nato nel 2009 dalla collaborazione dell’Interensemble con la facoltà di Agraria dell’Università di Padova, con il supporto dell’Assessorato alla Cultura della Regione Veneto. La prima esecuzione ha avuto luogo nel 2010 per il Festival Mondi Sonori del Conservatorio di Trento. Si tratta di un percorso che unisce varie voci della letteratura mondiale, con un’attenzione particolare agli scrittori e poeti italiani e veneti, accostando Baudelaire a Meneghello, John Fante ad Alda Merini, Borges a Khayyam. Alcune musiche sono state commissionate per l’occasione, altre sono state liberamente accostate ed adattate al testo.

L’INTERENSEMBLE nasce  nel 1984 per iniziativa del pianista e compositore Bernardino Beggio riunendo buona parte di quei musicisti che in ambito veneto si dedicavano alle esperienze contemporanee. Da allora la ricerca e la sperimentazione sono state le linee che hanno condotto l’attività dell’ensemble attraverso molti  degli itinerari della musica colta del XX° e XXI° secolo, da Cage a Stockhausen, Berio, Donatoni, Glass e Piazzolla, dalla computer music al teatro musicale, dalla musica di derivazione popolare all’esperienza minimalista, fino all’ultima generazione  di compositori, con un’attenzione  particolare ai compositori italiani e alle nuove tecnologie. In più di 25 anni di attività il complesso ha portato la sua musica in quasi tutti i paesi d’ Europa (Francia, Gran Bretagna, Belgio, Germania, Polonia, Finlandia, Grecia, Cecoslovacchia, Croazia, Irlanda, Romania, Spagna, Portogallo) e anche in USA, Messico  ed Egitto, registrando per la Rai, Radio Praga, la BRT Belga, la Radio Polacca, RTE Irlandese, la Radio Egiziana, la Radio Croata, la Radiotelevisione Rumena e la Televisione Portoghese. Ha realizzato 17 produzioni discografiche per varie etichette: Artis, Rivoalto, Naxos, Taukay. Dal 1996 l’Interensemble ha instaurato una collaborazione con il Concorso Internazionale di Composizione “Città di Udine”, che lo ha visto eseguire tutte le composizioni premiate fino al 2010, registrandole in 7 Cd della serie “Contemporanea”. www.interensemble.it

Cagliari Centro Culturale Il Ghetto ore 21

Festival Spaziomusica 2011 (30° Edizione)

Flusso

di Raffaello Ugo, con Raffaele Chessa

produzione Origamundi

(ingresso libero)

Lo spettacolo apparentemente indaga la metafisica delle anime. In realtà indica alcuni motivi che rendono ognuno, come diceva Don Lorenzo Milani, responsabile del mondo. Ed è la responsabilità individuale libera e consapevole verso tutti gli esseri viventi, (come noi parte del misterioso flusso della vita) che rende le nostre vite degne o banalmente inutili.

Seguendo la scia di un misterioso e affascinante abitante dell’oceano si viene introdotti per immagini e suoni ai segreti del Flusso in cui tutti siamo immersi. Dall’acqua, fonte di vita (elemento primario dell’esistenza ormai ridotto a merce che si può comprare e vendere) all’anima essenza e respiro della vita stessa. E come nella trasparenza dell’acqua è visibile l’anima del mondo, così nella trasparenza del cristallo dell’anima si può vedere chiaramente muoversi l’acqua della vita. Due elementi, l’acqua e l’anima, il visibile e l’invisibile, che costituiscono la pietra angolare dell’esistenza di tutti gli esseri.

In scena solo oggetti estremamente comuni realizzati con materiale di scarto, lattine, filo di ferro, sottili fili di cotone a rappresentare gli elementi fondamentali: l’acqua, la terra, il fuoco, l’aria. Sulla scena teatrale avviene la trasfigurazione e gli oggetti acquistano individualmente vita e significati molteplici diventando infine simboli e metafore della Natura. Metafore che suggeriranno ai partecipanti riflessioni sulla vita, sull’uomo, sulla solidarietà e sulla cura del nostro pianeta.

Raffaello Ugo costruisce macchine con materiali poveri. Le macchine suggeriscono immagini che si articolano in strutture narrative. Nascono così “Volatile” (2002), “Forme d’acqua” (2005), “Nautilo” (2007) e quest’ultimo lavoro, “Flusso”(2010).

Hanno scritto sullo Spettacolo

Enrico Pau, regista cinematografico e teatrale

La Nuova Sardegna 11 novembre 2010

Un progetto interessante per oggetti metallici, acqua, luci e voce, giocato tutto intorno a un testo affascinante e evocativo che vuole raccontare i segreti dell’anima, quella parte invisibile della corporeità di cui si parla sempre, ma che ha il privilegio di avere solo una natura astratta, quasi filosofica.

Raffaele Chessa ha chiesto a Raffaello Ugo di scrivere il testo e dirigerlo, uno spettacolo chiuso tutto dentro uno stile asciutto ed efficace nel quale l’attore, con una recitazione volutamente piana, accetta la sfida di narrare l’invisibile.

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Prof. Ettore Martinez , Liceo Scientifico Pacinotti Cagliari

Il bravo attore ha ben recitato la candida illusione-speranza di una sorta di panteismo accompagnandola con il funzionamento idraulico-meccanico di piccoli marchingegni sotanzialmente inutili e nello stesso tempo intrinsecamente coerenti nel loro linguaggio.

Qualcosa mi ha ricordato le Città Invisibili di Calvino, quelle descrizioni, quei percorsi mentali sempre allegorici simbolici o metaforici.

Una visionarietà ricca di poesia non enfatizzata, pacata, attònita. Il tutto senza avanzare pretese di alcunché.

Bravo il regista bravo l’attore.

Cagliari Centro Culturale Il Ghetto ore 21

Festival Spaziomusica 2011 (30° Edizione)

Trio d’archi di Cagliari

Attilio Motzo, violino

Dimitri Mattu, viola

Oscar Piastrelloni, violoncello

Ludvig van Beethoven – Serenata in Re maggiore op. 8

Marcia – Allegro
Adagio
Menuetto – Allegretto
Adagio – Scherzo (Allegro molto) – Adagio – Allegro molto – Adagio
Allegretto alla Polacca
Thema con Variazioni (Andante quasi Allegretto) – Allegro – Tempo I
Marcia – Allegro

Marcello Pusceddu – Tresi (2010)

Ernö von Dohnányi – Serenata op. 10

1 Marcia – Allegro
2 Romanza – Adagio non troppo, quasi Andante
3 Scherzo – Vivace
4 Tema con variazioni – Andante con moto – Poco più animato – Più adagio
5 Rondo (Finale) – Allegro vivace

NOTE DI SALA

La prima composizione di Beethoven per Trio d’archi, pubblicata nel 1796 come Opus 3, giace stilisticamente nel confine tra la musica di grande qualità ma di natura transitoria, concepita col mero intento dell’intrattenimento, e il lavoro pensato autonomamente che per la profondità dei contenuti rivendica una posizione di  maggior rilievo. Molti commentatori rilevano che con il Divertimento per Trio d’archi in Mib magg. K 563 Mozart sia riuscito a soddisfare entrambi gli intenti. Oltre alle similitudini di tonalità, alla disposizione dei movimenti e alle reminiscenze tematiche, è nei fatti che rispetto alla media superficialità delle composizioni per trio d’archi conosciute fino ad allora Beethoven evidentemente riconosceva la maggior profondità del capolavoro di Mozart, e grazie al risultato del suo illustre predecessore tentò di portare avanti questo processo.

Disconoscendo e accantonando temporaneamente gli intenti avanguardistici, Beethoven scrisse la Serenata op. 8 in uno stile pienamente in linea con la tradizione, sebbene non scevro da tratti di originalità. Ad esempio, mentre la Serenata comincia e termina con la marcia di prammatica, la concatenazione dei movimenti interni è piuttosto anticonvenzionale. Nel terzo movimento Beethoven tenta nuovamente di combinare le caratteristiche di un movimento lento con quelle di uno Scherzo, in quest’occasione tramite successive apparizioni di sezioni molto contrastanti (lo stesso principio fu successivamente adottato nel Quartetto op. 18 n. 2 in Sol magg.). Non figura un ultimo movimento in forma Sonata, e il consueto Rondo finale è rimpiazzato – in un punto precedente della composizione – da una Polacca in forma di Rondo. Da un punto di vista compositivo questa Serenata consiste in una serie di pezzi che sono, armonicamente, ritmicamente e strutturalmente non complicati, e sono scritti in un linguaggio musicale universalmente comprensibile.

Ernö Dohnányi diventò una delle figure di spicco nel panorama musicale del suo Paese, quando l’Ungheria conquistò l’indipendenza dopo il collasso dell’Impero austriaco nel 1918. Nato nell’antica capitale Magiara di Pressburg (Poszόnyi, l’odierna capitale della Slovacchia Bratislava), era meglio conosciuto internazionalmente come Ernst von Dohnányi. Era inoltre principalmente noto come gran virtuoso di pianoforte, sebbene alcune sue composizioni, quali le Variations on a Nursery Rhyme per pianoforte e orchestra e la Suite Ruralia Hungarica, raggiunsero fama mondiale. Il giovane Dohnányi crebbe artisticamente sotto l’influenza della cultura musicale austro-germanica, di cui Brahms era la figura dominante, ma ugualmente conscio della tradizione Ungherese coltivata da Liszt.

Uno dei primi lavori in cui Dohnányi sente di aver raggiunto un linguaggio musicale personale e bilanciato, lasciando dietro di sé le influenze tardo-Romantiche, è la Serenata per Trio d’archi in Do magg. op. 10, composta nel 1902 durante una tournée a Londra e a Vienna e ivi suonata per la prima volta due anni dopo. Composta di cinque movimenti, con l’iniziale Marcia e una Romanza, il lavoro segue il filo della tradizione della Serenata ottocentesca, così come sviluppata da Brahms e Robert Fuchs. Veramente l’esempio di Brahms, che aveva attivamente incoraggiato il giovane Dohnányi, si può intuire in vari punti, ma la stringatezza della forma e l’asciuttezza nell’uso dei mezzi sono indicatrici di una nuova sensibilità nel modo di comporre. Sono anche presenti allusioni alla genuina musica tradizionale ungherese che saranno presto esplorate e catalogate dai suoi più giovani colleghi Bartόk e Kodály, che metteranno così a punto nuove inflessioni modali nelle scelte armoniche.

Le atmosfere ungheresi sono già evidenti nella frizzante Marcia d’apertura, il cui secondo tema, affidato al violoncello in dialogo col violino, al tempo stesso passionale e “prepotente”, ha un carattere Magiaro- esotico. Nei fatti molti dei movimenti rimanenti nascono dagli spunti della Marcia con una veste più o meno sublimata. La Romanza, con la sua lunga, armoniosa ed evocativa melodia d’inflessione ungherese affidata alla viola e al violino nelle reminiscenze, è presentata in una tessitura chiara e raggiunge un appassionato climax, anticipatore della musica di Zoltán Kodály. Dohnányi in seguito arrangerà questo movimento di forma ternaria per orchestra d’archi, ma è nella versione per Trio d’archi che possiamo avere la percezione della ricchezza strutturale della sezione centrale, un appassionato dialogo tra violino e violoncello accompagnato in maniera semplice da arpeggi di viola. Il cuore della composizione è lo Scherzo, vigoroso e scritto di getto, che presenta aspetti della piena forma Sonata ed è rimarchevole per i ritmi irregolari, il rapido contrappunto e gli abili inserti fugati che sono sovrapposti nella sezione finale. Il quarto movimento è un succedersi di quattro variazioni su un tema corale (esso stesso una variazione del secondo tema Magiaro della Marcia) che evoca un liricismo già Schubertiano. Il Rondo finale è forse il movimento più Brahmsiano nel carattere. Verso la conclusione il sonoro tema Magiaro del primo movimento riappare inaspettatamente nella sua forma originale, col solo scambio d’entrata degli strumenti, riuscendo a rilegare in una soddisfacente unità strutturale l’intera composizione, sebbene la lucentezza formale della fine in Do maggiore è intaccata dal grido melanconico della melodia.

Oscar Piastrelloni

Bio

Il Trio d’archi di Cagliari si è formato nel 2004 grazie all’incontro di tre musicisti-colleghi del Conservatorio di Musica Giovanni Pierluigi da Palestrina di Cagliari.

Il violinista Attilio Motzo, il violista Dimitri Mattu e il violoncellista Oscar Piastrelloni hanno fatto confluire in questa formazione da camera le loro esperienze decennali che li hanno visti impegnati in tutti i repertori, dalla musica del Seicento alla collaborazione con alcuni tra i più importanti rappresentanti contemporanei. Tra questi citiamo Berio, Sciarrino, Oppo, Francesconi, Ambrosini, Kagel, Ligeti, Henze, Penderecki.

Attilio Motzo

Diplomatosi con il massimo dei voti e la lode sotto la guida di Renato Giangrandi presso il Conservatorio “G. Pierluigi da Palestrina“ di Cagliari, ha seguito i corsi di perfezionamento dell’Accademia Chigiana di Siena con Salvatore Accardo e Franco Gulli. Con il Quartetto Karalis ha frequentato i corsi di Quartetto con Piero Farulli presso la Scuola di Musica di Fiesole e all’Accademia Chigiana di Siena ottenendo il diploma di merito. Ancora presso la Scuola di Musica di Fiesole, ha frequentato i corsi di perfezionamento del Quartetto Borodin e del Quartetto Smetana. Ha collaborato per molti anni, soprattutto in qualità di primo violino, con le più svariate formazioni cameristiche e orchestrali quali Spazio Musica di Cagliari, Il Festival ‘900 di Trento, L’ associazione CARME di Milano, L’Orchestra del Teatro Comunale di Firenze, L’Orchestra Internazionale d’ Italia, la Nuova Orchestra Italiana, L’ Accademia del ‘700 Italiano, l’Orchestra da Camera di Mantova etc.

Dal 1984 si dedica alla musica barocca e classica con strumenti originali. Ha fatto parte dell’Orchestra Barocca Italiana, Accademia del ‘700 italiano, Modo Antiquo, Academia Montis Regalis, Ensemble Baroque de Limoges, Concert des Nations, Ensemble Cristofori, Ensemble l’Apotheose. Dal 1990 al 2000 è stato membro stabile dell’Orchestre Des Champs Elysées e del Collegium Vocale di Gent diretta da Philippe Herreweghe partecipando a tournée in tutta Europa, Giappone, Stati Uniti, Hong Kong, Cina. Ha svolto una intensissima attività concertistica sotto la direzione di personalità di spicco nel panorama della musica barocca come Sigiswald Kuijken, Bartold Kuijken, Ton Koopman, Christophe Coin, Jordi Savall, Luigi Mangiocavallo, Christopher Hogwood, Jos van Immersel, Arthur Schoonderwoerd. Attualmente collabora, nel ruolo di primo violino, con l’Orchestra Filharmonica de Galicia, Les Talens Lyriques di Christophe Rousset e, in qualità anche di direttore, con la Sinfonietta del Teatro Lirico di Cagliari e dell’Ensemble Karalis da lui fondato.

E’ primo violino dell’Orchestra Euromediterranea. Collabora con la JONC (Jove Orquestra Nacional de Catalunya) in qualità di preparatore tecnico della sezione dei violini.

Docente della cattedra di violino dal 1979, insegna presso il Conservatorio di Musica “G.P.da Palestrina” di Cagliari. Dal 2005 è docente presso i Corsi Internazionali di Musica di Carloforte Ultimo impegno è stato la registrazione delle Sonate e Partite di Bach per violino solo, pubblicate dalla casa discografica Inviolata.

E’ anche docente della cattedra di Violino Barocco per il triennio di Strumenti Antichi presso il Conservatorio di Musica “G.P.daPalestrina” di Cagliari.
Violinista del Trio d’archi di Cagliari dalla sua fondazione, con il quale, oltre alla intensa attività concertistica, ha registrato le Serenate op. 8 e 25 di Beethoven con il flautista Enrico Di Felice.

Dimitri Mattu

Dimitri Mattu, ha studiato viola e quartetto d’archi con Piero Farulli alla Scuola di Musica di Fiesole dove si è inoltre perfezionato nella musica da camera con Renato Zanettovich e Amedeo Baldovino e ha approfondito il repertorio contemporaneo del suo strumento con Aldo Bennici.

Nel 1983 si è diplomato presso il Conservatorio Benedetto Marcello di Venezia e subito, invitato dal suo maestro, comincia l’attività didattica tenendo una classe di viola nella Scuola di Musica di Fiesole fino al 1995.

Dal 1985 al 1997, come vincitore di concorso, diventa membro stabile dell’Orchestra della Toscana con cui già collaborava dal 1981, affrontando un vasto repertorio che spazia dalla musica barocca, sotto la guida di direttori quali Roger Norrington, Renè Clemencic, Frans Brüggen, fino alla musica del ‘900 e contemporanea sotto la direzione di Rudolf Barshai, Lev Markiz, Mario Gusella, Gianluigi Gelmetti, Bruno Bartoletti, Gianandrea Gavazzeni, Hans Graf, Luciano Berio ecc. Fino al 1997 ha inoltre fatto parte del complesso cameristico “I Solisti dell’ORT”,  suonando la viola e la viola d’amore, partecipando a prestigiose stagioni di musica da camera, come le Serate Musicali di Milano e il Festival di Spoleto.

Ha collaborato come prima viola con l’Orchestra della Toscana, l’Orchestra Internazionale d’Italia, l’Orchestra del Teatro Lirico di Cagliari, L’Orchestra Sinfonica Abruzzese e l’Orchestra dell’Ente Marialisa De Carolis di Sassari, formazioni orchestrali con le quali ha partecipato a numerose tournée in Italia, Francia, Spagna, Austria, Germania, Argentina, Brasile, Cina, Giappone.

Dal 1995 e’ titolare di una cattedra di viola al Conservatorio G.Pierluigi da Palestrina di Cagliari.    Affianca all’attività didattica un’intensa attività cameristica in diverse formazioni, in particolare col “Trio d’Archi di Cagliari” e in duo con la pianista Angela Oliviero con la quale ha recentemente registrato per “Inviolata” un cd con musiche di Schubert, Mendelssohn e Schumann.

Ha collaborato con diversi gruppi cameristici tra cui il Nuovo Quartetto Italiano, il Quartetto Diagonal di Linz,  l’Orchestra da Camera di Bologna con la quale ha effettuato registrazioni televisive per la RAI, l’Ensemble  Harmoniemusik col quale, in veste di solista, ha partecipato a incisioni di musiche del ‘900 per la Edipan. Ha partecipato a importanti stagioni di musica da camera come l’Estate Fiesolana, il Festival di Camogli, i concerti della Sala Bossi di Bologna, Sala Verdi di Milano, la stagione di musica da camera dell’ Istituto Italiano di Cultura a Buenos Aires ecc. Ha preso parte a numerose incisioni per case discografiche come Europa, Frequenz, Arts, Edipan, Bongiovanni, Dynamic, Emi e televisive per la RAI.

Dal 2005, nel periodo estivo, tiene numerosi corsi di perfezionamento di viola e musica da camera.

Oscar Piastrelloni

Ha studiato violoncello al Conservatorio “G.B.Martini” di Bologna nella classe di Giorgio Sassi, ultimo allievo di Camillo Oblach. Ha poi proseguito gli studi presso il Conservatorio “G.Verdi” di Milano e successivamente all’Accademia Internazionale “W.Stauffer” di Cremona con Rocco Filippini, che in seguito esprimerà una preferenza nei suoi confronti per la successione alla sua Cattedra presso il Conservatorio di Milano. Studierà in seguito con Franco Maggio Ormezowsky.

Come solista o camerista ha suonato il Concerto di Dvořák in una tournée in Italia dell’Orchestra Sinfonica “J. Pzn. Sweelinck” di Amsterdam, alla Stagione del Deutsches Museum a Monaco di Baviera, ha preso parte ad una tournée in Giappone col Trio d’archi del “Ludwig Ensemble” ripresa dalla NHK (televisione nazionale giapponese); ha effettuato varie registrazioni diffuse dalla RAI radiotre tra le quali il Concerto per violoncello di Respighi (prima registrazione assoluta); dello stesso autore ha inciso brani da solista per l’etichetta “Bongiovanni”.  E’ fondatore, insieme ad Attilio Motzo e Dimitri Mattu, del Trio d’archi di Cagliari col quale ha inciso per l’etichetta “Inviolata”.

Ha collaborato con l’”Ensemble Contemporaneo” e i “Filarmonici” del Teatro Comunale a Bologna, a Roma con l’ “Oratorio del Gonfalone” e con i successori dei “Virtuosi di Roma” con i quali ha suonato alla Tokyo Opera City Concert Hall e la Yokohama Minato Mirai Hall. Ha suonato inoltre alla Rassegna internazionale “Aterforum” a Ferrara, al Ravenna Festival, al Rossini Festival di Pesaro, al Festival delle Nazioni di Città di Castello, al Festival Pontino, alla celebre Associazione concertistica “Tartini” a Roma e ai Festival di Carloforte, Positano e La Maddalena tra gli altri al fianco di Leon Spïrer, Pierre Amoyal, Thomas Christian, Fabrice Pierre, Thomasz Thomaszewski, Rocco Filippini.

Ha collaborato come primo violoncello con varie Orchestre tra le quali quella Sinfonica della RAI di Torino, del Teatro Lirico di Cagliari, della Repubblica di San Marino, del Teatro di Sassari, dell’Orchestra Euromediterranea, l’Orchestra Sinfonica di Sanremo, l’OCF di Ferrara.

Tra i vincitori del Concorso Ordinario a Cattedre nei Conservatori, insegna violoncello presso il Conservatorio “G.P. da Palestrina” a Cagliari ove è consigliere accademico dal 2009 ed è stato invitato a tenere Masterclass di violoncello presso gli “Incontri Musicali Internazionali” di Carloforte, l’Accademia Internazionale Euromediterranea a La Maddalena e al Festival Internazionale ICMC a Positano e Shanghai.

Suona un violoncello fatto da Raffaele Fiorini a Bologna nel 1894 e una sua copia realizzata da Francesco Dalla Quercia a Bosa nel 2010.

ROOM 186, performance di teatro musicale

commerce musical et amoureux (1985) tratto da Conversations di Georges Aperghis

Françoise Rivalland, voce; Alessandra Giura Longo, voce; Alessandro Olla, live electronics; Manuel Carreras, live video.

Cagliari 26 ottobre 2011, Centro Culturale Il Ghetto, ore 21

Io sento e scrivo questi testi come se fosse musica. Si tratta di una sorta di variazioni su temi che decompongo progessivamente e che diventeranno (ir)riconoscibili quando il testo sarà pronto. Così Aperghis in una intervista rilasciata nel 1990 spiegava il suo modo di lavorare con le parole, elemento quasi sempre presente nelle sue composizioni.

In Conversations l’azione di parlare e conversare cioè scambiarsi, commerciare delle parole, diventa il soggetto e l’oggetto di una composizione di teatro musicale. Le parole (in questo caso della lingua francese, sua lingua d’adozione) sono utilizzate come se fossero semplicemente dei suoni; essendo però per loro natura fortemente significanti rispetto ai suoni puri, generano un discorso ed un percorso che, pur sottomesso a regole musicali, veicola e trasfigura sensi identificabili. Li veicola nel caso in cui affiorano nel testo, sorta di grammelot del francese, parole di senso compiuto; li trasfigura nel caso in cui un’associazione di suoni vocali crea nell’ascoltatore la sensazione di comprensione e quindi la costruzione soggettiva di una sorta di narrazione;  li nasconde del tutto nel caso in cui i fonemi utilizzati non formano parole di senso compiuto. Ciò avviene attraverso un processo ludico di trasformazione delle parole che permette di mascherare il linguaggio e attribuirgli dei sensi altri: è come se il materiale verbale venisse disseccato e reso permeabile ad una logica musicale che lo pervade e lo rimodella.

Per descrivere questo tipo di procedimenti il musicologo Daniel Durney parla di “perversione del senso attraverso il suono”.

Conversations è dunque un puro mondo di parole fatto di concatenamenti e associazioni sonore fra agglomerati di lettere, di sillabe, di suoni vocali a volte elaborati elettronicamente, che propongono allo spettatore la ricerca di un senso fra tutti i sensi possibili che affiorano durante lo snocciolarsi del testo.

Per rendere comprensibile al pubblico italiano un esempio di questo trattamento del testo, abbiamo fatto delle traduzioni (dove possibile) o pseudo-traduzioni di alcune delle Conversations, cercando di adattare le regole del gioco di Aperghis alla lingua italiana.

La prima rappresentazione di Conversations, messa in scena dallo stesso Georges Aperghis, ha avuto luogo nel 1985 e vedeva come interpreti intenti a conversare intorno ad una tavola imbandita, gli attori Edith Scob e Michel Lonsdale con il percussionista Jean-Pierre Drouet.

Il contesto teatrale che noi abbiamo scelto come vedrete è molto diverso, meno quotidiano e un pò misterioso, un pò scientifico, un pò poetico o le due cose insieme, arricchito da riprese video in diretta con una sorta di teatrino di oggetti ed elaborazione elettronica dell’immagine.

Bio

Françoise Rivalland, percussionista francese, ha studiato con Gérard Hiéronimus, Francis Branna, Gaston Sylvestre et Jean-Pierre Drouet. Ha inoltre studiato lo zarb con Dariush Tari e direzione d’orchestra con Dominique Rouits e Jean-Louis Gil. Nel 1989 scopre e impara a suonare da autodidatta il zimbalon. Interprete di musica contemporanea, a volte in piccole formazioni orchestrali ma soprattutto in gruppi da camera e come solista, lavora con diversi gruppi e festival internazionali di musica contemporanea, spesso collaborando con compositori nella creazione ed interpretazione di numerosi brani. Fra gli altri, Carlos Roque Alsina, Georges Aperghis, Luciano Berio, John Cage, Francis Courtot, Morton Feldman, Brian Ferneyhough, Luc Ferrari, Bruno Giner, Vinko Globokar, Klaus Huber, Maurizio Kagel, Gyorgy Kurtag, Helmut Lachenman, Michael Nyvang, Yoshihisa Taïra, Iannis Xenakis, Susumu Yoshida. Come direttrice d’orchestra ha diretto musiche di Aperghis, Boulez, Giner, Mozart, Mendelsshonn, Schumann, Stravinsky, Varèse ed altri. Suona regolarmente in duo con il percussionista Christian Dierstein e la violoncellista Sonia Wieder-Atherton. Nell’ambito dell’improvvisazione suona in trio con la contrabassista Rozemarie Heggen ed il pianista Michel Maurer, nonchè con Hans Tutschku al laptop. Il suo interesse per la drammaturgia, i rapporti fra testo, musica e gesto e la appresentazione teatrale l’ha condotta a lavorare spesso per il teatro (René Daumal, Samuel Beckett, ecc…) e la danza (Sylvain Prunenec, ecc…), come regista, interprete o per creazioni musicali. Dal 1987 partecipa a numerosi spettacoli di Georges Aperghis (Enumérations, Jojo, La baraque foraine, La fable des continents, film de Hugo Santiago, H litanie égalitaire, Commentaires, Entre chien et loup, ZigBang Parade), sia come assistente musicale o alla regia, sia come interprete. Nel settembre 2004, è stata chiamata alla Haute Ecole des Arts di Berna (Svizzera), per creare un corso di teatro musicale, di cui è attualmente titolare. Co-fondatrice del gruppo S:i.c. ( Situation : Interprètes et Compositeurs ) che privilegia il lavoro di interpretazione della musica da camera contemporanea, ne è stata direttrice artistica dal 1986 al 2009.

HYPERLINK “http://www.ensemble-sic.com” www.ensemble-sic.com

Alessandra Giura Longo è nata a Matera dove si è diplomata in flauto presso il Conservatorio “Duni”. Si è perfezionata in seguito con Marianne Eckstein e con C. Klemm, A. Nicolet (flauto) F. Ferrari, H. Schellenberger (orchestra e musica d’ insieme) Vinko Globokar (musica contemporanea) Alvise Vidolin (musica elettronica), Georges Aperghis e Annette Sachs (teatro musicale contemporaneo). Ha studiato tecnica vocale con Geneviéve Yans Barboni e Imaculada Pacheco. Nel 1993 ha  ricevuto da A. Nicolet una borsa di studio presso l’ Accademia Chigiana di Siena. Ha studiato Discipline della Musica presso l’ Università di Bologna ed è attualmente dottoranda presso l’Università di Evry-Val-d’Essonne (Parigi). Dal 1993 al 2001 ha vissuto e lavorato a Ponta Delgada, nelle isole Azzorre, insegnando presso il locale Conservatorio e presso l’Università delle Azzorre, oltre a svolgere intensa attività concertistica. Attualmente insegna Musica da Camera presso il Conservatorio di Cagliari. Ha suonato come solista, in diverse orchestre italiane e portoghesi ed in numerosi gruppi da camera dal duo al sestetto, nonchè in diversi ensemble vocali con repertori che spaziano dal medioevo ai giorni nostri, pur privilegiando l’interpretazione della musica contemporanea. Ha inciso per la RAI 3, per la RTP-A (televisione portoghese) e per la OWL records di Parigi. Dal 1988 a tutt’oggi crea e interpreta performances di musica e teatro da sola o in collaborazione con altri artisti (Candace Smith, Eduardo Sérgio, Angelo Tripodo, Giovana La Maestra, Carmen Panarello, Michele Lomuto, Alessandro Olla, Francesca Massa, Silvia Corda, Carla Onni, Françoise Rivalland). Nel 1996 fonda con altri musicisti portoghesi il Rubbatto Mobile Ensemble, gruppo di teatro musicale e improvvisazione radicale, con cui partecipa al “Tournoi de Improvisation Musicale di Poitiers” (Francia, 1997 e 1999). Nel 1993 e 1994, insieme a C. Smith è stata direttrice artistica del festival MiniMus per il Teatro delle Moline di Bologna e co-fondatrice di Selenikos ensemble per la musica contemporanea. Lavora in diversi spettacoli teatrali in veste di musicista, attrice e autrice dei testi.

Alessandro Olla, compositore, pianista e performer. Si interessa al suono e alla musica dall’età di 5 anni, studiando pianoforte e registrando sin d’allora panorami sonori con un radioregistratore Grundig. Dopo aver seguito gli studi classici in pianoforte, composizione e musica elettronica, si distacca da una visione accademica della musica per iniziare un percorso artistico attraverso la sperimentazione, l’improvvisazione e l’elettronica, svolte non solo in campo musicale ma anche teatrale e video. Ha realizzato performance musicali, installazioni e concerti in Europa, America e West Africa. Ha suonato in festival internazionali e con artisti di spicco nella scena. Particolarmente attivo in ambito teatrale, ha composto musiche originali per la radio, la televisione, il cinema, la danza  e realizzato interventi di sonorizzazione.  www.aleolla.it

Manuel Carreras Manuel Carreras, è un’artista multimediale che si occupa principalmente di video,  luci e sistemi interattivi, alla costante ricerca di nuove relazioni tra movimento  suono e immagine. Attivo in diversi progetti, collabora con  musicisti, performers,  video artisti. I suoi lavori nascono dall’unione tra arte digitale, programmazione,  manipolazione video e generazione in tempo reale. Fa parte insieme ai  Signorafranca e altri artisti dell’associazione culturale/collettivo Quit che si occupa  di produzione e formazione nell’ambito dei nuovi media digitali.   Collaborazioni/progetti:  InStruMental  (Ooffouro,  Signal  Festival),  In.Stan.T  (Ooffouro),  oXA  (Exagonal+o00o),  Sophien  Stasse  (Spaziodanza,  TiConZero),  WBNR‐ L1  (Ouroboros  Teatro),  Ceiling  (Quit),  Luce/Buia  (Compagnia  Lucido  Sottile),  Korrespondenz  Karte  (Spaziodanza),  Incandescent  (SDNA),  Carpet  (Quit),  Tlight  (Quit), Mental Traffic (Spaziomusica), Moex Ensemble (TiConZero).    Festival/rassegne:  AV  Festival  10  (Sunderland,  UK),  Duncan  Center  Theatre  (Praga),   SeasideVibe  (Centro  Culturale  Lazzaretto,  Cagliari),  Movimenti  ’09  (Teatro  Fondamenta  Nuove,  Venezia),  Premio  Equilibrio  2009  (Auditorium  Parco  della  Musica,  Roma),  Festival  Ipercorpo  ‘07  (Magazzini  Interstock,  Forlì),    Audiovisiva  5.0  (Magazzini  porta  di  Genova,  Milano),  LPM  Live  Performers  Meeting  ‘08  (Roma),   Kultuuritehasse  Festival  ‘08  (Tallinn,  ESTONIA),  Autunno  Danza  ‘08  (Cagliari),  Signal  Festival    (Cagliari),  Music  In  Touch  (Cagliari),  Marmilla  Mille  Emozioni  (Villaverde,  Baradili).   www.myspace.com/vjo00o – www.quit‐project.net

Ingresso libero

Malgorzata Walentynowicz, pianoforte

Cagliari 6 ottobre 2011, Centro Culturale Il Ghetto, ore 21

Musiche di:

James Clarke – Sonata in two mouvements
Hans Thomalla – Piano Counterpart
Pascal Dusapin – Etuede 1 e 2
Tadeusz Wielecki – Study of Gesture II
Juan Pablo Orrego Berríos – Nuova opera
Thomas Smetryns – “… with an apparent sense of outer calmness”(prima assoluta)
Antonio Doro – Studio-Variazione Intervallgesang su mib-la
Antonio Doro – Studio-Variazione IV su tratti memorie di attitidu e altre lamentazioni della tradizione orale della Sardegna (version for piano solo prima assoluta)

Cagliari 7 ottobre 2011, Centro Culturale Il Ghetto, ore 21

Malgorzata Walentynowicz, pianoforte

Musiche di:

Kasia Glowicka – Turbulence
Elżbieta Sikora – “Reflets irises”
Pierre Jodlowski – Série Noire
Pierre Jodlowski – Série Blanche
Peter Ablinger – Voices and Piano (Lech Wałęsa, Hanna Schygulla)

Cagliari 8 ottobre 2011, Conservatorio Statale di Musica, ore 10-13

Master Class,  Malgorzata Walentynowicz, pianoforte

Quartu Sant’Elena
Chiostro della Chiesa di Sant’Agata Ex Convento dei Cappuccini
Ore 21.30 – Ingresso gratuito

ENSEMBLE SPAZIOMUSICA

Enrico Di Felice, flauti

Riccardo Leone, pianoforte

Roberto Pellegrini, percussioni

JOHANN SEBASTIAN BACH, “Tre ricercare dall’Arte della Fuga” BWV 1080

ARVO PÄRT, “Spiegel im Spiegel  (1978)

FRANCO OPPO, “Fasi B”  (2010)

ASTOR PIAZZOLLA, “Fuga y Misterio”; “Ausencias”; “Nightclub 1960”; “Fugata”; “La muerte del Angel”